12 самых известных картин Эрмитажа

*Обзор лучших по мнению редакции expertology.ru. О критериях отбора. Данный материал носит субъективный характер, не является рекламой и не служит руководством к покупке. Перед покупкой необходима консультация со специалистом.

Расположенный в Санкт-Петербурге музей Эрмитаж - настоящий дворец искусства, в стенах которого хранится немало бесценных шедевров. Он входит в число пяти крупнейших и пятнадцати самых посещаемых художественных музеев планеты. Эрмитаж был создан императрицей Екатериной II в качестве частной императорской коллекции и поначалу размещался в специальной небольшой пристройке. Отсюда и произошло название, поскольку в переводе с французского Эрмитаж (ermitage) означает "место уединения". Со временем коллекция значительно выросла, а в 1852 году ее сделали доступной для широкой публики. На сегодняшний день количество экспонатов в состоящим из пяти зданий музее превышает три миллиона. Особую ценность представляет собрание живописи, включающее в себя работы лучших художников разных стран и эпох. Ниже представлены двенадцать знаменитых картин, которые можно увидеть в Эрмитаже.

Обзор самых известных картин Эрмитажа

Номинация	место	Произведение	рейтинг
Обзор самых известных картин Эрмитажа	1	"Апостолы Петр иПавел", Эль Греко	5.0
	2	"Мадонна Конестабиле", Рафаэль Санти	4.9
	3	"Любительница абсента", Пабло Пикассо	4.8
	4	"Возвращение блудного сына", Рембрандт Харменс ван Рейн	4.7
	5	"Женщина, держащая плод", Поль Гоген	4.7
	6	"Композиция VI", Василий Кандинский	4.7
	7	"Дама в голубом", Томас Гейнсборо	4.7
	8	"Мост Ватерлоо. Эффект тумана",Клод Моне	4.6
	9	"Портрет актрисы Жанны Самари", Пьер-Огюст Ренуар	4.5
	10	"Лютнист", Микеланджело Меризи да Караваджо	4.5
	11	"Даная", Тициан Вечеллио	4.5
	12	"Мадонна Бенуа", Леонардо да Винчи	4.5

"Апостолы Петр и Павел", Эль Греко

Рейтинг: 5.0

Фото: El Greco, Public domain, via Wikimedia Commons

Работы художника под псевдонимом Эль Греко, настоящее имя которого Доменикос Теотокопулос, отличаются индивидуальностью стиля. В них смешались черты маньеризма и экспрессионизма периода Испанского Ренессанса. Считается, что живописец одним из первых нарисовал апостолов Павла и Петра вместе. На полотне изображено противопоставление характеров и духовного мира этих двух важнейших христианских деятелей. Такой контраст позволил передать языком искусства важные религиозные проблемы того времени. Павел показан сильной, решительной личностью, его рука властно опирается на Святое Писание, взгляд выдает непоколебимую, почти фанатичную уверенность. В отличие от него, Петр является олицетворением размышлений и внутренних сомнений. Такая трактовка значительно отличалась от церковных норм конца XVI века, когда была написана картина, но в целом вполне соответствовала Евангелию. Апостол Петр был известен своим непостоянством, в то время как Павел, будучи вначале яростным преследователем христиан, впоследствии стал таким же яростным поборником христианства.

Различие в складе ума апостолов подчеркнуто не только выражениями их лиц и позами, но также колористически. Художник выделил образ Павла с помощью броской темно-красной одежды, также его лицо имеет более насыщенный, живой цвет. В целом композиция создает атмосферу экзальтации и тревоги, свойственную для всего творчества темпераментного Эль Греко.

"Мадонна Конестабиле", Рафаэль Санти

Рейтинг: 4.9

Фото: Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Это одна из наиболее ранних работ известного итальянского живописца эпохи Возрождения, он написал ее примерно в возрасте 20 лет, во время пребывания в городе Перуджа. Заказчиком картины выступил герцог Альфано ди Диаманте. Изначально она была просто "Мадонна с младенцем", современное название ей было присвоено от имени владельца Джованни Конестабиле, получившего полотно по наследству вместе с роскошным палаццо. Шедевр попал в Россию благодаря императору Александру II, купившему его в подарок для своей жены Марии Александровны.

Лирический женский образ матери, держащей на руках ребенка, представлен на фоне холмистого пейзажа Умбрии (регион Италии, расположенный по соседству с Тосканой). Фигура Мадонны с плавными линиями укрытых покрывалом плеч идеально смотрится в обрамлении круглой картины. Композиция выглядит очень целостной и гармоничной за счет объединения направления взглядов персонажей - и мать и младенец оба смотрят в книгу. Предполагается, что создавая это произведение, Рафаэль черпал вдохновение из воспоминаний о природе родных ему мест и своей рано умершей матери.

"Любительница абсента", Пабло Пикассо

Рейтинг: 4.8

В начале XX века тема порока и зависимостей была довольно популярна во французской живописи, особенно это касается абсента. Чрезвычайно крепкий, вызывающий галлюцинации напиток стал настоящим фетишем парижского бомонда. К тому же, у двадцатилетнего художника как раз был "голубой период", во время которого он писал в основном сюжеты, наполненные одиночеством и опустошенностью. Главная героиня картины показана во всей неприглядности человека, выбравшего путь саморазрушения. Она сидит в углу, отгородившись ото всех, единственными ее спутниками являются голубой сифон и бокал с зеленым напитком. За ней на стене висит зеркало, где отражается яркий внешний мир, но женщина предпочитает ему собственные фантазии и галлюцинации, порожденные действием дурманящего алкоголя.

Драматизм сюжета усиливается за счет искаженных, чрезмерно длинных пальцев рук, которыми любительница абсента охватывает себя, будто пытаясь защитить свои иллюзии от реальности. Застывшая в неестественной позе, она словно превратилась в неживой предмет, породнившись со стоящими на столе бутылкой и бокалом. Этот символизм передается как в цветовой гамме, так и в схожих очертаниях женщины и приборов для абсента.

"Возвращение блудного сына", Рембрандт Харменс ван Рейн

Рейтинг: 4.7

Фото: Rembrandt, Public domain, via Wikimedia Commons

Рембрандт создал большое количество картин на библейскую тематику, но одной из самых узнаваемых является сюжет про раскаявшегося блудного сына, возвратившегося к отцу после растраты всего имущества. Этот шедевр был написан в поздний период творчества художника, который вложил в него не только накопившийся опыт, но и эмоции от утраты своего сына Титуса. Главные действующие лица на полотне расположены не по центру, вместо этого они мастерски выделены с помощью света. Это стоящий на коленях сын и склонившийся к нему отец, вся поза и выражение лица которого указывают на абсолютное прощение. Ярко заметен контраст между богатыми одеждами членов семьи и крайне убогим облачением доведенного до полной нищеты сына.

Картина сосредотачивает внимание зрителя не столько на событии, сколько на эмоциональных переживаниях участников этой семейной драмы. Кроме отца и сына, полотно изображает еще четырех человек, личности которых до сих пор остаются загадкой. Творение Рембрандта в 1967 году послужило источником вдохновения для известного британского композитора Бенджамина Бриттена, который всего раз увидев его во время экскурсии по тогда еще советскому Эрмитажу, спустя короткое время написал музыкальную оперу "Блудный сын".

"Женщина, держащая плод", Поль Гоген

Рейтинг: 4.7

Фото: Paul Gauguin, Public domain, via Wikimedia Commons

Картина также носит название "Eu haere ia oe", что означает "Куда идешь?" и по сути представляет собой фразу, которой таитяне приветствовали друг друга при встрече. Гоген написал ее во время своего пребывания в Полинезии, куда приехал в поисках вдохновения и гармонии с природой. Экзотическая растительность, полная ярких красок, островной быт и уникальная культура произвели на него огромное впечатление. Но особенно художника восхищали таитянки, сильно отличавшиеся от европейских женщин своей простотой и первобытной грацией. Одна из таких местных жительниц изображена на переднем плане картины, с зеленоватым плодом в руках (вероятнее всего, он служит ей сосудом для воды). Двое других сидят возле хижин, еще одна наблюдает издали, держа на руках ребенка. Это обычный эпизод из повседневной жизни островитян, однако в нем Гоген видит воплощение естественного ритма природы.

Стремление передать красоту экзотических и почти не затронутых цивилизацией мест привело к уходу от практически всех традиций и правил традиционной живописи. Созданный художником индивидуальный стиль предполагал обобщение, передачу форм и света минимумом средств. Яркая цветовая палитра полотна отображает атмосферу знойного тропического дня. А спокойные, непринужденные позы людей и лиственные узоры на их одежде символизируют духовное родство со средой, в которой они обитают.

"Композиция VI", Василий Кандинский

Рейтинг: 4.7

Фото: Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Кандинский был одним из первых абстракционистов в мире. Вклад российского художника в развитие этого направления живописи настолько велик, что для его творчества выделен отдельный зал в Эрмитаже. Созданная в 1913 году "Композиция VI" является одной из наиболее интересных работ, яркие цвета и размашистые свободные мазки как нельзя лучше отражают динамику бурного начала новой эпохи в искусстве XX века. Изначально концепция полотна была сформирована после написания эскиза на тему библейского всемирного потопа. Однако впоследствии Василий решил отказаться от идеи привязки к конкретному событию, предоставив зрителю самостоятельно трактовать и значение и эмоциональную составляющую.

Беспредметный мир картины предстает в виде ритмичного чередования изгибов, линий и цветовых пятен. По заявлению самого художника, на полотне есть два композиционных центра: розовый в левой части, вокруг которого вспениваются синие "волны" и красно-синий, с грубыми резкими линиями. Чередование шероховатых и гладких участков холста, а также уравновешивание взаимно противоречащих элементов позволило добиться целостности абстрактного сюжета.

"Дама в голубом", Томас Гейнсборо

Рейтинг: 4.7

Фото: Thomas Gainsborough, Public domain, via Wikimedia Commons

Эта картина по праву считается лучшим достоянием хранящегося в Эрмитаже собрания английской живописи. Несмотря на увлечение Гейнсборо пейзажной тематикой, он стал известен в первую очередь благодаря своим утонченным романтическим портретам. По распространенному мнению, на полотне изображена герцогиня Елизавета Бофор, дочь адмирала Боскауэна. Главной особенностью художника было то, что он стремился передать не только красоту, но и настроение, индивидуальные черты характера модели, сделать образ как можно более живым. В его работах отсутствует излишняя чопорность, свойственная эпохе барокко. Картина отличается гармоничной цветовой гаммой, сочетающей оттенки голубого и серого цветов. Она писалась легкими мазками, разными по плотности и форме, иногда насколько тонкими, что сквозь краску просвечивает ткань холста.

Особое внимание привлекает к себе высокий и сложный по конструкции парик, занимающий значительную часть композиции - автор с особой тщательностью прорисовал этот модный в XVIII веке элемент женского образа. Данью моде является и шляпка с перьями страуса, а также использование белой пудры для матирования шеи плеч и даже груди, так как бледность кожи считалась неотъемлемым атрибутом аристократии.

"Мост Ватерлоо. Эффект тумана",Клод Моне

Рейтинг: 4.6

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Французский художник Клод Моне был одним из тех, кто стоял у истоков крайне популярного в XX столетии импрессионистского направления живописи. Свой цикл картин, объединенных тематикой лондонского моста Ватерлоо, он начал во время пребывания в отеле "Савой", с окон которого открывался вид на Темзу. Будучи экспериментатором и сторонником авангарда, Моне часто исследовал возможности передачи с помощью красок различных атмосферных состояний. И конечно, же он не упустил возможности запечатлеть знаменитый туман, окутывающий столицу Великобритании. Начав в Лондоне, художник дописывал работу уже в своей французской мастерской, по памяти, передавая при этом не столько очертания города и реки, сколько собственные эмоции от полюбившегося ему пейзажа.

Картину Клода Моне лучше всего рассматривать на расстоянии - тогда хаотичный с первого взгляда калейдоскоп мазков волшебным образом превращается в мост и воды Темзы с клубящимся над ними туманом, становятся ясно видны заводские трубы и силуэты плывущих лодок. В цветовой гамме явно доминируют сиреневый, и оттенки синего - таким образом автор решил передать атмосферу меланхоличного Лондон, погруженного в туман.

"Портрет актрисы Жанны Самари", Пьер-Огюст Ренуар

Рейтинг: 4.5

Фото: Pierre-Auguste Renoir, Public domain, via Wikimedia Commons

Женские портреты были важнейшей частью творческой деятельности Ренуара. Широко известна его серия картин с актрисой Жанной Самари, которая жила неподалеку от художника и охотно приходила к нему позировать. Всего было создано четыре портрета, отличающиеся друг от друга композиционно и колористически. Данная картина считается одной из наиболее импрессионистских работ Ренуара. Для нее характерен свободный стиль на грани небрежности, с помощью которого передана атмосфера свежести, молодости и непринужденной женственности модели. Стоит отметить, что автор слегка приукрасил внешность Жанны, чтобы передать на полотне ее внутреннее обаяние и любовь к жизни.

После демонстрации картины на третьей выставке импрессионистов она вызвала крупный ажиотаж, причем большая часть зрителей была склонна скорее к критике. И неудивительно, ведь в конце XIX века все еще пользовалась спросом декоративная, романтическая живопись, а импрессионизм был только зарождающимся течением. Более того, выбранное им сочетание зеленого платья на розовом фоне посчитали неуместным. Однако в узком кругу ценителей смелость художника, следующего не традициям, а своим собственным ощущениям, встретила положительный отклик.

"Лютнист", Микеланджело Меризи да Караваджо

Рейтинг: 4.5

Фото: Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

"Лютнист" - одна из ранних работ Караваджо, выполненная в конце XVI века по заказу покровительствующего его творчеству кардинала Франческо дель Монте. Картина изображает сидящего за столом юношу, который аккомпанирует себе на лютне. Из-за мягких, андрогинных черт внешности долгие годы его принимали за девушку, полотно даже выставлялось в музее под названием "Лютнистка". По мнению многих искусствоведов, главный персонаж писался с Марио Миннити, молодого сицилийского художника. Косвенным доказательством, что Караваджо нарисовал именно молодого человека, является нотная тетрадь, открытая на популярной в те года басовой партии Якоба Аркадельта "Voi sapete ch’io vi amo" (Вы знаете, что я вас люблю). Женщина вряд ли выбрала бы такую мелодию, не говоря уже о том, что лютня традиционно считалась мужским инструментом.

Отличительной чертой стиля художника было мастерство обращения со светотенью, и здесь виден его любимый прием - выхватить композицию из сумрака единственным источником света. Все предметы отражают падающие на них блики в точном соответствии с законами физики. Такая достоверность вероятно была следствием близкого общения Караваджо с видными учеными, в том числе Галилео Галилеем и Джованни Батиста делла Порта, автором научной работы, посвященной рефракции. Смысловое значение картины, по распространенной версии, заключается в одновременном восхвалении гармонии жизни и грусти о ее скоротечности. Автор написал еще два варианта данного произведения, один из них теперь хранится в нью-йоркском музее Метрополитен, второй - в британской резиденции Бадминтон-Хаус.

"Даная", Тициан Вечеллио

Рейтинг: 4.5

Фото: Titian, Public domain, via Wikimedia Commons

Венецианский художник эпохи Высокого Возрождения Тициан в своем творчестве не раз обращался к тематике античной мифологии. Картину "Даная" он написал для короля Испании. Ее сюжет основан на древнегреческом предании о дочери Акрисия, аргосского царя. Услышав предсказание придворного оракула о смерти от рук собственного внука, царь заключил свою единственную дочь в неприступную башню, куда бы не смог добраться ни один смертный. Однако могущественный бог Зевс, пленившийся ее красотой, сумел проникнуть к Данае в виде золотого дождя. В результате этой связи родился полубог и античный герой Персей.

Художник изображает Данаю спокойной и величественной, она принимает любовь небожителя без суеты или даже удивления. Лицо девушки частично покрыто тенью, а вот изгибы ее тела наоборот - залиты мягким золотистым светом. Эта картина Тициана представляет собой своеобразный гимн чувственности и женской красоте. Сам живописец называл ее поэмой на холсте.

"Мадонна Бенуа", Леонардо да Винчи

Рейтинг: 4.5

Фото: Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Картина, известная также как "Мадонна с цветком", получила свое название от имени последних владельцев - российской династии художников и коллекционеров Бенуа. Это произведение гениальный итальянский мастер живописи создал, когда ему было 26 лет, в то время он уже закончил свое обучение у Андреа Верроккьо. Тема Мадонны была востребованной в искусстве задолго до Леонардо, но он сумел вдохнуть новую жизнь в распространенный библейский сюжет. Отказавшись от идеального и величественного, но безжизненного облика, художник показывает миру земную Мадонну, поглощенную радостью материнства. Ее юное лицо украшает улыбка, которую ранее считали неуместной в облике матери Христа. Мария протягивает своему сыну цветок крестоцвета, символизирующий распятие. Но несмотря на религиозный смысл, это в первую очередь сюжет о счастливой семейной жизни и стремлении к познанию мира.

Композиция полотна содержит два источника освещения. Одним из них является небольшое окно позади Мадонны, но основной свет льется слева сверху, им художник "выхватывает" фигуры из полумрака помещения и придает им объем превосходной игрой светотени. Картина написана масляными красками, что позволило детально и реалистично передать мельчайшие особенности фактуры тканей. Техника масляной живописи была новаторством для Италии конца XV века, и да Винчи был одним из первых, кто ее применял в своих работах.

Оцените статью
	Всего голосов: 0, рейтинг: 0

Внимание! Данный рейтинг носит субъективный характер, не является рекламой и не служит руководством к покупке. Перед покупкой необходима консультация со специалистом.