12 лучших картин Клода Моне

*Обзор лучших по мнению редакции expertology.ru. О критериях отбора. Данный материал носит субъективный характер, не является рекламой и не служит руководством к покупке. Перед покупкой необходима консультация со специалистом.

Ценитель живой природы, знаменитый создатель нового, невероятно популярного направления в живописи – импрессионизма – Клод Моне сегодня считается критиками символом своей эпохи. Кто бы мог подумать, что маленький карикатурист окажет в дальнейшем сильное влияние на художников всего мира, создав целую плеяду превосходных полотен с уникальной, невероятно яркой цветовой гаммой, из-за которой в пору неизвестности автора ходили слухи о его безумстве. Вашему вниманию одни из лучших картин великого мастера – самые известные творения кисти французского импрессиониста.

Следами великого импрессиониста: топ-12 шедевров французского гения Клода Моне

Номинация	место	Произведение	рейтинг
Обзор лучших картин Клода Моне	1	«Сан-Джорджо Маджоре в сумерках», 1908-1912 годы	5.0
	2	«Дама в зеленом платье» (Камилла), 1866 год	4.9
	3	«Прогулка. Дама с зонтиком», 1875 год	4.9
	4	Серия «Стога сена», 1890-1891 годы	4.8
	5	Серия «Руанский собор», 1892-1893 годы	4.7
	6	Серия «Кувшинки», 1896-1926 годы	4.7
	7	Серия «Вокзал Сен-Лазар», 1872-1877 годы	4.6
	8	«Дамы в саду», 1866 год	4.5
	9	«Впечатление. Восходящее солнце», 1872 год	4.5
	10	«Завтрак на траве», 1866 год	4.5
	11	«Здание парламента на закате», 1900-1901 годы	4.5
	12	«Мост Ватерлоо в пасмурную погоду», 1904 год	4.4

«Сан-Джорджо Маджоре в сумерках», 1908-1912 годы

Рейтинг: 5.0

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Одна из самых известных и значимых картин в творчестве великого импрессиониста. Преобладающие в сюжете тона оранжевые – именно с такими оттенками у художника ассоциировался упадок итальянского города. На красочном фоне ярко выделяются Венецианский собор и вода, конечно, вода.

Сам мастер отмечал, что картина сумеречного города выполнена нестандартным для него образом: идея полотна была настолько впечатляюще красивой и завораживающей, что художник работал исступленно, буквально наступая на пятки движущемуся к закату солнцу и его водным бликами. В своей работе Моне использовал драматические цветовые контрасты, что придало картине большей глубины и яркости.

Поскольку идея была вдохновлена практически мгновением, Моне применил технику коротких штрихов и быстрого заполнения полотна пастой. Так ему удалось моментально захватить цветовой момент и точно передать игру света. Главной задачей своих работ автор видел не передачу зрителю нравственного посыла или глубокой смысловой нагрузки, а создание чувственного впечатления, пробуждение приятных ощущений, импрессии, не зря же Моне – один из ярчайших представителей импрессионизма.

«Дама в зеленом платье» (Камилла), 1866 год

Рейтинг: 4.9

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

На портрете изображена жена великого импрессиониста – Камилла Донсье в тот момент, когда она еще не была ни супругой, ни даже невестой. Клод и Камилла тогда только познакомились, и после одной из таких встреч Моне решил передать на холсте то яркое ощущение, возникшее между молодыми людьми. На картине «Дама в зеленом платье» художнику удалось запечатлеть трепетный момент, когда стоявшая практически у выхода девушка обернулась.

Моне не стал тратить силы на прорисовку заднего плана: все свои умения он сосредоточил на самой Камилле – тщательно детализировал ее лицо, изгиб шеи, выражение лица, даже легкое движение рукой, любовно прорисовал ее платье и полушубок. В картине нельзя заметить воздушности или чего-то неземного: художник постарался показать девушку настоящей, живой. Моне не нужен был эталонный идеал: платье выглядит тяжелым, кажется, что оно с трудом тащится по полу – это говорит о том, что оно сделано из тяжелой ткани.

Моне писал то, что видел и любил всем сердцем (несмотря на непродолжительное знакомство, художник успел страстно и горячо полюбить девушку), без прикрас и сложностей, которые бы только оскорбили Камиллу. Картина получилась невероятно живой и глубокой: в ней чувствуется пыл и трепет молодого влюбленного.

«Прогулка. Дама с зонтиком», 1875 год

Рейтинг: 4.9

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Картина считается началом цикла картин, первая и главная из которых была написана именно в 1875 году. Моделью для портрета стала первая жена художника – Камилла. Работа считается крупнейшей в творческом периоде 1870-х. На полотне изображена Камилла вместе с сыном на диких полях вблизи Коломба и Женивье.

Мадам Моне стоит полубоком, словно внезапно обнаружила зрителя. Ее платье развевается на ветру. Фигура слегка смещена вправо, что компенсируется наклоненным парасолем, в куполе которого отражается яркая луговая зелень. Чуть поодаль, видимый лишь по пояс, стоит сын Моне, словно внимательно взирающий на зрителя.

Картина была написана с натуры на пленэре, скорее всего, за один сеанс. В период создания полотна в работах художника постепенно начинает преобладать тщательная проработка персонажей, вытесняющих собой пейзажи. Тем не менее, великий импрессионист не забывает передавать зрителю ускользающий солнечный свет, отчего картина выглядит словно живой.

Особой изюминкой полотна можно считать расположение женского персонажа на холсте и низкую линию горизонта, что придает картине в целом монументальный вид – это довольно необычная подача для французского импрессиониста.

Серия «Стога сена», 1890-1891 годы

Рейтинг: 4.8

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Моне считал, что пейзаж необходимо писать, полностью сохраняя цвет, форму и настроение окружающей среды и «это приведет к появлению личного, наивного видения ситуации, на которую смотришь». Моне не был первым среди живописцев, кто решил перенести на полотно сельский пейзаж, главным объектом которого стал бы стог сена. На эту тему уже писали Ван Гог, Писарро, Гоген и прочие великие художники.

Но Моне сумел отличиться, использовав в работе два новаторских элемента: способ видения света и создание целой серии картин. Благодаря неимоверному труду и таланту художника сегодня мы можем созерцать многообразие одного и того же мотива в зависимости от времени суток и меняющегося освещения.

Создавая целою серию полотен с изображением стога сена, Моне, по его собственным словам, стремился показать ход времени. Он жаловался на то, что летом, когда он писал картины, солнце садилось так быстро, что художник не поспевал за ним и каждый раз искал мимолетную изменчивость света.

В 1888 году Моне создает несколько этюдов стогов около Живерни. К этой же теме он возвращается через год, когда начинается страда (летняя жатва и уборка хлеба). Он упорно работает на протяжении нескольких месяцев, рисуя поля, покрытые бликами летнего солнечного света, яркие красновато-рыжие – осенью, и плотно укутанные снегом – зимой.

Лето года 1890-го, когда мастер был погружен в дело «Олимпии», страстно желая выкупить картину у вдовы Мане и передать ее Лувру, выдалось пасмурным, с частыми дождями. Поэтому начатые полотна художнику приходилось дорабатывать уже в мастерской, фантазируя на тему о том, насколько красочным и необыкновенным может быть небо. Пятнадцать картин серии, впервые выставленные у Дюран-Руэля, имели ошеломительный успех и были распроданы, несмотря на высокую цену.

Серия «Руанский собор», 1892-1893 годы

Рейтинг: 4.7

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Еще одна серия картин гениального импрессиониста, только на этот раз в центре сюжета – величественный руанский готический собор. Для создания целого цикла полотен Моне поселился недалеко от собора и писал с раннего утра и до позднего вечера. Художник был невероятно увлечен игрой света на холодном камне и стремился передать этот удивительный контраст на холст.

Все внимание Моне было сосредоточено не на целом здании, а лишь на отдельной его части – 2 башнях: Мартина и Альбане. В понимании импрессиониста элементы собора выглядели словно портал, и на каждой картине была изображена именно эта сторона здания. Продвигаясь в своей работе, художник постепенно стал наносить на холст больший слой краски, пытаясь подчеркнуть определенные детали и придать картине свой собственный свет.

Зачастую работа шла быстро, но сам Моне жаловался на этот факт, говоря, что тем самым усложняется задача и ему непросто передать свое видение на холст. Порой живописца мучили кошмары, в которых собор падал на него или предательски менял свой цвет.

Зрители впервые смогли увидеть шедевральные творения французского импрессиониста лишь в 1895 году, и, хотя мнения критиков разделились, многие художники (иностранные в том числе) изменили свое мировосприятие. Практически сразу же было продано 8 картин из серии различным коллекционерам. Оставшиеся, несмотря на довольно высокую цену (около 15000 франков) были приобретены еще несколькими ценителями импрессионизма.

Серия «Кувшинки», 1896-1926 годы

Рейтинг: 4.7

Фото: Claude Monet, CC BY-SA 2.5 <creativecommons.org/licenses/by-sa/2.5&gt;, via Wikimedia Commons

Огромный цикл включает в себя почти 250 полотен, каждое из которых было выполнено в технике масляной живописи. Некоторые картины можно смело назвать монументальными, причем не только из-за их впечатляющего размера, но и гениально переданного цветовосприятия. Для удобства работы художник построил новую мастерскую со специальным освещением.

Примечательно, что в процессе работы Моне настолько увлекся и был впечатлен результатом, что не желал расставаться ни с одной из картин серии «Кувшинки», созданных почти на 30 лет упорного труда. В музеях и частных коллекциях эти холсты начали появляться лишь после смерти импрессиониста.

Моне очень гордился тем, что смог приобрести собственную усадьбу (она располагалась в Живерни), где разбил роскошный цветник. На картинах серии изображены водяные лилии, растущие именно в саду самого художника. Кстати, многие полотна творились уже в тот период, когда живописец страдал от катаракты. Но, возможно, это помогло ему отойти от традиционного цветовосприятия и создать невероятную игру красок и светотени.

Полотна из серии «Кувшинки» хранятся во многих музеях мира: в Париже, Нью-Йорке, Уэльсе, Орегоне и пр. Представители аукционного дома Кристис называют «Кувшинки» Моне одной из наиболее признанных и значимых работ 20-го века, оказавших колоссальное влияние на художников импрессионистов и модернистов всего мира.

Серия «Вокзал Сен-Лазар», 1872-1877 годы

Рейтинг: 4.6

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

В 1872 году Клод Моне заявился в дирекцию Сен-Лазара, заявив, что собирается писать целую серию картин, и главным их объектом будет именно вокзал. Художник считал здание вокзала одним из наиболее впечатляющих на то время и хотел передать свои ощущения от эпохи технического прогресса, отойдя от пейзажной тематики.

Поскольку Моне писал с натуры, работники вокзала бросили все силы на то, чтобы Сен-Лазар предстал перед импрессионистом во всей красе: территорию вокзала постоянно убирали, даже красили паровозы, а машинисты старались пускать как можно больше пара. Роскошная панорама буквально захватила французского гения, и в результате было написано целых 12 картин, на которых вокзал изображался не только в разных ракурсах, но и в разную погоду, в разное время суток. Эта серия стала первой в работе живописца: вскоре «на свет» появятся «Стога» и «Кувшинки».

Впервые представшая миру в 1877 году на выставке, серия картин «Вокзал Сен-Лазар» имела ошеломительный успех. Знаменитый французский писатель Эмиль Золя позднее скажет, что именно атмосфера, переданная на полотнах Моне, вдохновила его на написание романа «Человек-зверь», посвященного французской железной дороге.

«Дамы в саду», 1866 год

Рейтинг: 4.5

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Картина считалась очень необычной для зрителя-современника. Моне хотел дать понять, что будет писать только так, как подсказывает ему вдохновение и чутье, без оглядки на академические традиции. Часто посещавший Моне в то время французский пейзажист Гюстав Курбе был поражен не только задумкой автора, но и масштабностью полотна. Из-за огромных размеров (255х205 см) оно было невероятно громоздким: художнику приходилось опускать полотно в специальную яму с помощью лебедки, когда он приступил к написанию верхней части картины.

Импрессионист хотел максимально точно передать игру тени и света, прорабатывая для этого мельчайшие детали сюжета. При этом его персонажи была отведена второстепенная роль. К примеру, женщины, изображенные на полотне, выглядят стилизованно, лица их практически не рассмотреть: одна дама стоит вполоборота, другая спиной, третья прячется за букетом цветом. Тем самым художник дает понять, что ему важнее не отдельная личность, а взаимодействие человека с внешним миром.

Несмотря на кажущуюся традиционность, картина поистине была новаторской: многочисленные полуобороты, обрезанные края платьев – для академического живописца все это было бы невозможным. Картина «Дамы в саду» была написана в непростой для Моне финансовый период, поэтому работа шла напряженно. Именно эту картину он планировал выставить в Парижском салоне – одной из престижнейших французских художественных выставок, однако жюри работу не пропустило. Но когда Моне стал знаменитым, полотно «Дамы в саду» было приобретено правительством Франции за огромные деньги – 200000 франков.

«Впечатление. Восходящее солнце», 1872 год

Рейтинг: 4.5

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Когда основатель импрессионизма писал картину, он полагал, что это очередная его работа, которую не удастся продать. Но именно с нее, по сути, и началось зарождение нового направления в живописи. В 1874 году творение, наряду с работами коллег, «братьев по духу» в творчестве было представлено на независимой выставке. Однако усилия молодых дарований оценили далеко не все.

Так, журналист Луи Леруа после посещения выставки написал критическую статью «Выставка импрессионистов», в которой выставлял художников на посмешище, фактически сказав о том, что такие «творения» сводят живописцев академического толка с ума, и дал неизвестным тогда молодым людям обидное прозвище «впечатлистов». Конечно, он тогда не мог предположить, что художники в знак протеста со временем примут это прозвище, которое превратиться в имя нарицательное и станет одним из самых известных художественных течений мира.

В картине «Впечатление. Восходящее солнце» Моне особое внимание (впрочем, как всегда) уделил цветопередаче, использовав для этого минимум оттенков, но создав невероятно живой, реалистичный пейзаж. Основные тона – синеватые: все полотно словно пронизано ощущением холодного, промозглого утра.

Художнику удалось очень точно передать настроение порта: именно таким его видели местные жители – мрачноватым, с солнечными бликами на воде, с небом, перетекающим в океан, где смутно различимы силуэты кораблей.

«Завтрак на траве», 1866 год

Рейтинг: 4.5

Фото: Моне, Клод, Public domain, через Викисклад

Недооцененная в свое время картина с трагической судьбой, ставшая поистине символом своей эпохи. Работа над полотном началась в 1865 году под впечатлением от скандально известной одноименной картины Эдуарда Мане, имевшей несколько фривольное содержание. Но, помимо идентичного названия и, пожалуй, лесного пейзажа, у картин нет абсолютно ничего общего.

За созданием полотна кроется поистине титанический труд, ведь картина имела огромные размеры – 400х600 см. А в работе с такой громадной основой требуется немалое умение, способность чувствовать и правильно формировать композицию, цвета, распределять персонажей и пр.

Начинал художник работу в заранее подобранном месте в лесу Фонтенбло. В качестве моделей использовал свою супругу Камиллу и друга, товарища «по цеху» Фредерика Базиля. Первым делом Моне писал на пленэре лес, затем прорисовывал персонажи в мастерской, после чего снова выезжал с моделями для написания этюдов с натуры. Уже после этого в мастерской художник компоновал все элементы воедино.

На холсте изображен прохладный летний или весенний день. Ярко-синее небо мелькает среди густой, сочной листвы деревьев. Кое-где пробиваются тонкие лучи солнца. На фоне пейзажа группа мужчин и женщин отдыхает: кто-то болтает, кто-то присел к еде, другие растянулись на траве. Ощущается веселье, свежесть леса, легкость.

Изначально Моне создавал полотно «Завтрак на траве», чтобы представить его на Парижском салоне, но катастрофически не успевал, поэтому практически впопыхах написал «Даму в зеленом платье», благосклонно принятую критиками. Будучи в тяжелом материальном положении, живописец оставил неоконченное полотно в качестве залога своему арендодателю и решил не браться за крупные вещи, которые съедали все его деньги и создавали ему трудности.

Но арендодатель хранил шедевр небрежно, и часть полотна попросту сгнила от долгого пребывания в сыром подвале. Через 7 лет Моне выкупил полотно и разрезал на 3 части, оставив лишь 2 (одна была полностью непригодна). Сегодня критики считают картину дебютом художника в новом тогда еще стиле, настоящим флагманом надвигавшейся революции в искусстве.

«Здание парламента на закате», 1900-1901 годы

Рейтинг: 4.5

Фото: Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

В 1900 году Поль Дюран-Руэль – неизменный покровитель импрессионизма с нетерпением ждал возращения из британской столица Клода Моне. Тот должен был привезти созданные за время пребывания в Лондоне виды на мосты через Темзу и Парламент. Работу художник привез, но остался недоволен набросками, поэтому через год вернулся для доработки полотен, и еще через год.

Готовые лондонские циклы Дюран-Руэль получил лишь к 1904 году, но ожидание стоило того: уже через неделю полотно «Здание парламента на закате» было продано за хорошие деньги. С тех пор картина побывала во многих частных коллекциях Гавра, Парижа, Нью-Йорка и даже Японии. В 2015 году холст был продан за 40 млн. долларов.

В процессе написания цикла картин Моне жаловался на непостоянство Лондонской погоды: «Погода меняется постоянно из-за облаков исильного ветра…это сводит меня с ума.». Состояния природы и уникальные солнечные моменты сменяют другу друга с колоссальной скоростью, но то, что Моне смог их передать на полотнах – бесценно. Особое очарование именно этой картине придает необычный, даже дерзкий эффект – яркое красное свечение, которое прорывается сквозь густые облака.

«Мост Ватерлоо в пасмурную погоду», 1904 год

Рейтинг: 4.4

Фото: Claude Monet, CC BY-SA 4.0 <creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0&gt;, via Wikimedia Commons

Еще один шедевр из лондонского цикла Моне тоже долго не залеживался на выставках. К примеру, этот невероятный вид на мост Ватерлоо приобрел страстный любитель живописи, русский коллекционер Михаил Рябушинский. Ему было 37, когда в Российской Империи произошла революция. Часть коллекции он спрятал, часть отдал в Третьяковку на хранение, после эмигрировал в Британию. Картина же попала в галерею настоящих воротил антикварного мира – Вильденштейнов. Впоследствии полотно сменило множество владельцев – сплошь исключительных личностей.

Клод Моне впервые приехал в британскую столицу со своей супругой, чтобы навестить сына и сразу понял, что вернется сюда еще. Великий импрессионист был впечатлен колоритом города и уверенно взялся за создание полотен с местными пейзажами. Он восхищался поэтичностью некоторых лондонских мест, но погода сводила его с ума, многократно усложняя рабочий процесс и при этом делая его невероятно захватывающим.

Вернувшись из Лондона, Моне привез с собой целых 8 ящиков холстов (!) и ни один не был закончен. Художник еще несколько лет дорабатывал картины, не позволяя продать ни одной. Только когда все полотна были завершены, они смогли предстать глазам изумленного зрителя, ценителей импрессионизма и критики.

Оцените статью
	Всего голосов: 0, рейтинг: 0

Внимание! Данный рейтинг носит субъективный характер, не является рекламой и не служит руководством к покупке. Перед покупкой необходима консультация со специалистом.